Топ-5 художников социалистического реализма

В начале XX века на территории СССР и других социалистических стран в области культуры и искусства прочно утвердилось течение под названием социалистический реализм, целью которого было изображение коммунистических идеалов. Основные темы произведений литературы и живописи были связаны с развитием рабочего движения, установлением социалистического общества и идейным воспитанием человека в духе социализма.

В статье мы расскажем о пяти наиболее значимых художниках соцреализма, творивших в эпоху контроля над творческими личностями и использования искусства для демонстрации успехов советского строительства.

1 место – Юрий Пименов

Юрий Иванович Пименов (1903–1977) – советский художник, плакатист и писатель. Его стиль принято называть «советским импрессионизмом», да он и сам себя считал «реалистическим импрессионистом». Исследователи отмечают в числе особенностей работ Пименова ошеломляющий эффект присутствия и стремление создать в рисунке иллюзию света, пространства и объема.

Среди самых популярных работ Пименова хочется выделить картину «Новая Москва» (1937), которая наиболее ярко отражает сформировавшийся стиль художника. Характерные черты техники автора действительно позволяют отнести его творчество к импрессионизму:

• лирическая атмосфера;
• полупрозрачные краски;
• светлые тона;
• ощущение легкости мазка.

Но к такому стилю Пименов пришел не сразу. В самом раннем периоде художник подвергся значительному влиянию немецкого экспрессионизма, но после Второй мировой войны Юрий Иванович окончательно отказался от экспрессионистских приемов. Темные тона и четкие контуры исчезают с его полотен, на смену им приходит обилие света, легкость и лиричность. Основная тема послевоенного периода автора – жизнь города и его обитателей на фоне социалистического строительства.

Историки считают картину «Новая Москва» одной из лучших работ, созданных советскими художниками в 1930-е годы. В ней ощущается, как автор любуется столицей и гордится своей страной, с помощью художественных символов он выражает свои надежды на счастливое будущее.

Ю.И. Пименов изобразил молодую женщину за рулем автомобиля посреди широкой, залитой дождем, оживленной улицы. Тема молодости с множеством амбиций и позитивных ожиданий от жизни символизирует молодое строящееся социалистическое государство. Автомобиль для середины 1930-х годов также ассоциируется с новым укладом жизни и новыми возможностями. А тем более фаэтон Lincoln, который в те времена был доступен только государственным чиновникам и иностранным гостям. Надежда художника на то, что подобные автомобили сможет купить любой советский гражданин, была довольно смелой и оптимистичной. Позитивный настрой картины также достигается выбором светлой и мягкой цветовой гаммы. Автор выделил значительную часть холста, чтобы изобразить пространство вокруг автомобиля и показать, как много уже изменилось в стране и сколько еще предстоит достигнуть в будущем. Широко охваченный на картине Театральный проезд символизирует свободу и простор для деятельности. А дождь на полотне присутствует как символ обновления и очищения от всего ненужного и отжившего.

Пименов пережил немало трудностей в годы репрессий, его обвиняли в формализме, но под конец своего творческого пути живописец получил полное признание и удостоился важных государственных наград: звание народного художника СССР (1970) и кавалера ордена Ленина (1973).

2 место – Александр Дейнека

Александр Александрович Дейнека (1899–1969) – живописец периода соцреализма, скульптор, график и педагог. Излюбленной темой картин Дейнеки был спорт, что вполне соответствовало духу времени. В 1930-х годах в моду вошел здоровый образ жизни и разного рода соревнования: трудовые, производственные и спортивные. Воспевая красоту здорового, физически развитого человека, Дейнека видит в нем олицетворение молодого строящегося государства с прекрасной перспективой и правильными целями, как бы убеждая в неизбежности побед. Рисуя совершенное сильное тело спортсмена с пафосом, свойственным монументалистам, автор показывает силу духа, вызывая тем самым эмоциональный подъем. Герои его картин молоды, энергичны, полны сил и оптимизма.

Александр Дейнека умел подстраиваться под изменения в политической среде. Когда менялась пропаганда и приоритеты в искусстве, он также менял направление своей деятельности. Так, художник в разное время был то графиком-авангардистом, то монументалистом, то импрессионистом, создавая в каждом периоде жизни запоминающиеся картины. Дейнека оставил след в искусстве социалистического реализма своими работами из мозаики. Он украшал фойе актового зала МГУ им. М. В. Ломоносова (1956), фойе Дворца съездов в Московском Кремле (1961), станции московского метро «Маяковская» (1938) и «Новокузнецкая» (1943).

Самой яркой и значимой работой художника принято считать его полотно в военно-историческом жанре «Оборона Севастополя» (1942). Контрастными цветами Дейнека изобразил суровую правду войны. В ярко-красном пламени горит разрушенный город, крепкие фигуры советских моряков в белых форменных одеждах противопоставляются темно-серой массе вражеских бойцов.

Эта работа стала самой известной у Александра Дейнеки и считается одной из лучших военных картин советского времени.

Примечательно, что в военное время найти мужчину-натурщика для создания фигуры матроса художнику не удалось, поэтому Дейнека выбрал для позирования девушку спортивного телосложения.

3 место – Александр Герасимов

Александр Михайлович Герасимов (1881–1963) вошел в историю советской живописи как любимый художник Сталина. Выдающийся деятель культуры занимался не только живописью, но и скульптурой, теорией искусства, преподавал и даже занимал должность первого президента Академии художеств СССР. За свои заслуги перед государством Герасимов получил звание Народного художника СССР (1943) и стал лауреатом четырех Сталинских премий.

Самым популярным и копируемым произведением Александра Герасимова стала картина «И. В. Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремле» (1938), которая в народе называется «Два вождя после дождя». На огромном полотне (296×386 см) мы видим, как два политика, занимающие ключевые должности в стране, неспешно прогуливаются по мокрому асфальту на кремлевском холме на фоне затянутого тучами неба. Небольшая деталь на картине заставляет насторожиться: рядом с Ворошиловым отсутствует кусок балюстрады. У зрителя возникает ощущение, что маршал может случайно упасть в этот прогал. Некоторые исследователи убеждены, что картина была попыткой Герасимова предупредить своего близкого друга о серьезной опасности, которая над ним нависла. В тот период в его ближайшем окружении прошла череда арестов. Сам же автор говорил лишь о том, что этой картиной он словно предсказал Великую отечественную войну, которая случилась через несколько лет. И грозовое небо символизировало надвигающуюся трагедию, о которой в тот момент мало кто помышлял.

По признанию Герасимова, вдохновение для этой картины он черпал из произведения «Богатыри» Васнецова.

В творчестве Александра Герасимова были не только портреты вождей, хотя писал он их много и охотно, за что и был обласкан вождем народа, но также лиричные пейзажи, натюрморты и даже картины в стиле «ню».

После смерти Сталина картины главного кремлевского художника были надолго преданы забвению.

4 место – Дмитрий Налбандян

Дмитрий Аркадьевич Налбандян (1906–1993) – советский художник армянского происхождения. Его специализацией в живописи был портретный жанр. Также Налбандян знаменит своими пейзажами, на которых он с любовью изображал красоту родной Армении и других живописных уголков Кавказа. Кроме того, нам известны натюрморты художника и работы в области мультипликации.

Если Герасимова называют любимым художником Сталина, то за Налбандяном закрепилось звание «первой кисти политбюро». Рисовать портреты важных государственных деятелей Дмитрий Аркадьевич начал сразу после переезда в Москву в 1931 году и делал это на протяжении всей своей жизни.

По своему художественному стилю Налбандян относится к последователям так называемого «русского импрессионизма». Сформировавшись на творчестве передвижников, он сумел соединить приемы традиционной русской художественной традиции с армянским колоритом. В качестве примера живописной манеры Дмитрия Аркадьевича хотелось бы выделить его картину «Аштарак. На пастбище» (1971), которая написана в позднем периоде творчества мастера. Детализация и наполненность изображения восхищает зрителя, но в то же время каждая мелкая частичка холста, словно пазл, складывается в цельную картину.

В центре полотна изображен мальчик, пригнавший на пастбище стадо овец верхом на ослике. Животные толпятся позади него, послушно потребляя подножный корм. Поза и выражение лица маленького пастушка свидетельствуют о том, что эта работа привычна для него, и что просьба художника позировать для портрета немного смущает, но воспринимается им не менее ответственно, чем обязанность пасти овец. Добрые и такие живые глаза мальчика удивляют своей естественностью. В детском лице столько простоты и непосредственности – остается только изумляться таланту художника, который смог передать красками на картоне то, что непросто выразить словами.

Психологизм Налбандяна позволял ему изображать своих героев без притворства, раскрывая внутреннюю суть, словно он владел тайнами человеческой натуры.

Так и этот армянский мальчик, застывший на фоне самой высокой в стране горы Арагац, показан зрителю открытым и беззащитным, будто художник поделился с нами самым сокровенным.

5 место – Кузьма Петров-Водкин

Кузьму Сергеевича Петрова-Водкина (1878–1939) к течению соцреализма можно отнести весьма условно. Российский живописец, писатель, педагог и теоретик искусства создал основные свои шедевры еще до образования Советского Союза, и на фоне соцреалистов ярко отличался самобытным подходом к живописи. Правильнее будет сказать, что своим творчеством художник создал альтернативное социалистическому реализму течение – соцмодернизм, выработал уникальный творческий стиль, благодаря которому он широко известен и узнаваем во всем мире. Рассказом об этом талантливом живописце мы завершаем наш рейтинг.

Авторский стиль Петрова-Водкина формировался под воздействием раннего Ренессанса, модерна и символизма. Огромное влияние оказала на него русская иконописная традиция, Петров-Водкин и сам создавал эскизы для росписи храмов и икон. Также художник оставил след в театральном искусстве – как драматург и декоратор, а также пробовал себя на писательском поприще – создавал и иллюстрировал детские книги, писал автобиографическую прозу.

Самую знаменитую картину Петрова-Водкина «Купание красного коня» (1912) называют иконой русского авангарда, громким манифестом и предвестником грядущей революции. В ней заключены основные особенности творчества Петрова-Водкина:

• Символизм. Автор наполнял картину не только визуально, но и смыслово, создавая дополнительное измерение для восприятия образов. Каждая деталь сюжета, выбор цветов, построение композиции картины несет в себе послание для зрителя.
• Сферическая перспектива или «рыбий глаз». Изображение строится по принципу панорамной съемки, когда на полотне изображаются не только предметы в поле зрения художника, но и те которые находятся справа, слева, сверху и снизу. Персонажи изображаются под наклоном, пространство кажется уходящим вдаль, а линия горизонта изогнута.
• Трехцветная система. Петров-Водкин считал, что основных цвета всего три – красный, синий и желтый. Он использовал их оттенки и сочетания для создания своих шедевров. Красный цвет символизировал кровь и советскую власть, синий – потусторонний мир, сны и мечты, а желтый – энергию жизни.

К партии художник никогда не принадлежал, предпочитая стоять в стороне от политических споров. Однако идеалы советского режима были ему близки, он искренне верил в силу человеческого духа и в победу добра над злом.

Рассказывая о шедеврах искусства и создавая репродукции для Вас, мы надеемся сделать этот мир чуточку прекраснее. В магазине «Ананас Постер» есть все необходимое, чтобы принести красоту в ваш дом