Художники эпохи возрождения: ТОП-10 известных живописцев

Ренессанс (фр. renaissance – возрождаться), эпоха Возрождения – период в истории культуры конца XIV – начала XVII веков, ознаменовавший собой переход от Средневековья к Новому времени. Характерные особенности культуры этого периода:

• расширение познаний об окружающем мире;
• развитие религиозных представлений;
• процветание гуманистических идей.

Живопись периода ренессанса отличается антропоцентризмом, слиянием форм античного искусства с идеями христианского гуманизма и пантеизма. Этот этап развития изобразительного искусства подарил нам величайших художников, работы которых оставили неизгладимый след в истории культуры. Мы расскажем о десяти наиболее популярных художниках Ренессанса по мнению посетителей интернет-магазина «Ананас Постер»

1 место. Тайны великого гения – Леонардо да Винчи

Когда мы говорим о Ренессансе, имя Леонардо да Винчи (1452–1512) вспоминается в первую очередь. Столь щедро одаренный деятель искусства был не только художником и скульптором, но еще и талантливым ученым, архитектором и изобретателем. Его картины подвергаются всестороннему исследованию, но загадки и тайные символы, которыми пронизано творчество гениального живописца, так до конца и не разгаданы.

Леонардо да Винчи не разделял науку и искусство. Художник был уверен, что для творчества важно понимать, как устроена Вселенная и человек, знать законы физики и анатомии. Да Винчи обладал такими знаниями и умениями, которые позволяли ему создавать модели летательных аппаратов, каналов и водяных колес, которые использовались в итальянский городах. Но в конце жизни художник прекратил заниматься наукой из-за обвинений в колдовстве.

Самые знаменитые картины Леонардо да Винчи знакомы даже тем, кто не интересуется живописью. Их репродукции используются повсеместно:

• в школьных учебниках;
• на обложках книг;
• на почтовых марках;
• в средствах массовой информации;
• как элемент рекламы;
• в интернет-мемах.

Картина Леонардо да Винчи «Мона Лиза» (1503–1519) затмевает своей популярностью все остальные работы автора, являя собой предмет китча. Но это не умаляет ее достоинств. Живописец-новатор впервые создал картину, которая удивляет своей неоднозначностью. Это своего рода эксперимент над созерцателем, которому предоставляется широкий простор для интерпретаций. И каждый видит в загадочной улыбке Мона Лизы что-то свое, индивидуальное.

Но есть и такие произведения художника, об авторстве которых ведутся споры. Например, знаменитая «Мадонна Литта» (1481–1495). По мнению А. Н. Бенуа и некоторых других знатоков живописи, да Винчи принадлежит только голова Мадонны, в то время как Младенец написан явно не в его стиле. Сам свет и подбор красок, грубость в исполнении некоторых элементов свидетельствуют об авторстве другого человека. Скорее всего, картина закончена учеником да Винчи, хотя и талантливым, но не гениальным.

Не меньше загадок хранит в себе самый знаменитый автопортрет в истории мировой живописи. «Туринский автопортрет» принято считать работой Леонардо да Винчи, но это предположение вызывает множество споров. Во-первых, датируют произведение приблизительно 1512 годом. Да Винчи на тот момент было 60 лет, а на портрете изображен ветхий старец. Возможно, это собирательный образ, либо таким художник чувствовал себя изнутри и не стремился придать портрету фотографическое сходство. Самое интересное предположение было высказано художником Лилиан Шварц, которая с помощью специальной компьютерной программы сравнила «Туринский автопортрет» с картиной «Мона Лиза». Результат был ошеломительным – их лица совпали. Возможно, в каждой своей работе великий Леонардо оставил часть себя. И теперь сквозь столетия он остается одним из самых популярных и обсуждаемых художников в мировой истории.

2 место. Революционер Возрождения – Караваджо

Итальянский художник Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) оставил след в истории живописи как основатель реализма. Его художественная манера была уникальна, а работы во многом провоцировали современников – так Караваджо снискал славу бунтаря, попирающего нормы ренессансной живописи. Его работы казались чрезмерно натуралистичными и жестокими по сравнению с исполненными любви и нежности картинами эпохи Возрождения. Но художник не мог рисовать иначе. Его буйный нрав, горячая, страстная натура придавали его произведениям особый колорит. Драчун и скандалист, Караваджо в одном из своих споров убил человека. В 1606 году вынужден был бежать из Рима, обосновавшись в Неаполе, где и продолжил заниматься живописью до самой смерти.

Выдающийся мастер барокко, Караваджо также был новатором в области передачи игры света и тени, положив начало новому стилю тенебризма. Художник-революционер оказал огромное влияние на мастеров живописи, среди которых Веласкес, Рубенс, Рембрандт и многие другие.

Знаковой картиной Караваджо можно считать натюрморт «Корзина с фруктами» (около 1956). Художник практически не работал в таком жанре. Тем ценнее этот редкостный экземпляр, наполненный символизмом.

В картине художник не уделяет внимания фону, концентрируя внимание на самой корзине. Она переполнена фруктами, частично подгнившими, частично пораженными червоточинами. Примечательно, что Караваджо выбирает жанр натюрморта, который его современники не считали чем-то самоценным, и при этом предпочитает изобразить фрукты не услаждающими глаз, а такими, как есть, со всей реалистичностью и правдой жизни. Многие видят в этой картине аллюзию на церковь, внутри которой есть как праведники, так и грешники.

В этом произведении Караваджо впервые применяет метод тромплей (обманка) – он создал оптическую иллюзию, из-за которой кажется, что корзину можно потрогать руками. Своей работой художник в очередной раз отмечает неизбежность увядания, тления и смерти – вечный закон, о котором не следует забывать.

3 место. Красота обыденности Яна Вермеера

Нидерландский живописец Ян Вермеер (1632–1675) формировал свой стиль под влиянием голландских последователей Караваджо, создав свой уникальный и узнаваемый творческий почерк. Картины Вермеера воспевают обыденность и простоту повседневности, наполняя ее красотой и поэзией. Повторяющийся мотив: одинокая женщина, занятая чтением письма либо другим бытовым делом в окружении простого интерьера. Вермеер писал интерьеры своих картин с обстановки родного дома, типичной для голландского жилища. Пространство заполнял солнечным светом, лица людей изображал спокойными и гармоничными.

Самую знаменитую картину Яна Вермеера «Девушка с жемчужной сережкой» (около 1665) считают голландской Мона Лизой. Она написана в технике «сфумато» (итал. размытый), для которой характерны незаметные переходы между тонами. Эту технику часто использовал Леонардо да Винчи. Так, в этой картине невозможно разглядеть переход от носа к щеке, но зритель его «видит», додумывая детали. В итоге, каждый увидит эту картину немного по-своему.

Взгляд девушки такой чувственный и задумчивый. Она словно только что обернулась, застыв от неожиданности. Нам неизвестно имя девушки, которую запечатлел художник. Возможно, это его родная дочь Мария. Есть мнение, что жемчуг в ее сережке фальшивый. Так или иначе, образ девушки с сережкой, созданный в XVII веке, до сих пор будоражит сердца своей искренностью и глубиной.

4 место. Теоретик искусства Альбрехт Дюрер

Альбрехт Дюрер (1471–1528) – немецкий художник, гравер, родоначальник жанра автопортрета. Своими гравюрами по дереву Дюрер прославился еще в ранней молодости. Его работам свойственна такая тонкая детализация, превзойти которую не удалось никому.

Особое внимание Дюрер уделял пропорциям, добиваясь анатомической точности изображаемых объектов. Его «Заяц» (1502) стал образцом и учебным пособием для художников-анималистов.

Знаменитая «Меланхолия» (1514) Дюрера представляет собой резцовую гравюру на меди, которая восхищает обилием деталей и сложностью исполнения. Но еще более сложным кажется прочтение смыслов, которые заложены в этом произведении. Спустя столетия искусствоведы сходятся во мнении, что женщина с крыльями и венком из лютиков на голове представляет собой духовный автопортрет художника и одновременно внутренний мир человека эпохи Ренессанса. В век гуманизма и развития науки человек стремится к знаниям, но многие знания, как известно, умножают печаль.

Помимо практики, Альбрехт Дюрер большое значение придавал теории искусства. Множество трактатов он посвятил эстетике Возрождения, перспективе и пропорциям в рисунках. В своих работах художник стремился доказать, что живопись – не просто ремесло, а высочайшее искусство.

5 место. Основоположник классицизма Никола Пуссен

Никола Пуссен (1594–1665) – французский живописец, который стоял у истоков классицизма, последовавшего за эпохой Ренессанса. Для классицизма характерна та же любовь к античному наследию и стремление перенять из него правильность, строгость и сдержанные формы. Поэтому в своих работах на мифические и библейские сюжеты Пуссен добивается строгости композиции.

Ярким примером стиля Пуссена является его знаменитый «Пейзаж со Святым Иоанном на Патмосе» (1640). На нем художник изобразил апостола, занятого написанием книги Откровения. Сам пейзаж Пуссен воссоздал таким образом, чтобы показать красоту и величие древнего мира, добавив обелиск и храм на заднем плане. Произведение выполнено в строгом соответствии с принципами геометрии, для него характерна логичность и эмоциональная сдержанность. Это произведение стало примером рационального построения композиции, а также одной из лучших религиозных картин в стиле классицизма.

6 место. Отец архитектуры барокко Микеланджело

Ярчайшим образцом живописи эпохи Возрождения можно назвать итальянского художника Микеланджело Буонарроти (1475–1564), выдающегося скульптора, архитектора, мастерство которого было высоко оценено еще при жизни.

Художественный гений Микеланджело проявился еще в детстве. Нам известна самая ранняя его работа «Терзания святого Антония» (1487–1489). Если дата определена искусствоведами верно, то автор нарисовал картину в возрасте 12-14 лет. В начале 2000-х это произведение пополнило коллекцию художественного музея Кимбелла, который заплатил за картину 6 млн долларов.

7 место. Придворный художник Антонис ван Дейк

Фламандский живописец Антонис ван Дейк (1599–1641) знаменит своими офортами и придворными портретами. Его работы выполнены в стиле барокко, который начал развиваться в эпоху Ренессанса, но максимального расцвета достиг в XVII–XVIII веках.

Принято считать, что стиль барокко появился в результате вырождения ренессансного течения в живописи. Строгие пропорции, эмоциональная сдержанность, сбалансированная структура постепенно отходили в небытие, а на смену им приходила живопись, насыщенная множеством декоративных элементов, эксцентрика, изогнутые линии и отсутствие симметрии. Эмоции в жанре барокко преувеличены, наиграны. Игра тени и света используется для создания драматического эффекта. Античные мотивы ренессанса заменяются мифологическими и религиозными сюжетами.

Яркость и эмоциональность вполне уместна на картинах, изображающих королевских особ. Так, ван Дейк ввел моду на «парадный портрет», которые могли себе позволить только знатные персоны.

Посмотрим, как выражен стиль ван Дейка на портрете Кэтрин Ховард, леди д’Обиньи (около 1650):

• темный фон, на котором дама выглядит более ярко;
• множество деталей, подчеркивающих роскошь одежды и украшений;
• величественное, спокойное выражение лица;
• художник придает живости образу, изображая румянец на щеках и заинтересованность во взгляде.

Стиль ван Дейка укоренился в Англии в XVIII веке. В этот период художники рисуют «вандейковские» портреты, а модницы носят «вандейковские» платья.

8 место. Новатор Ренессанса Ян ван Эйк

Ян ван Эйк (1385–1441) – яркий представитель живописи Ренессанса, который стоял у истоков нового стиля. Художник-новатор предпочитал работать в жанре портрета и более ста картин посвятил религиозным мотивам.

Новаторство Яна ван Эйка выразилось в следующем.

• Он ввел новый метод работы с масляными красками, который позволял создавать более прочное и устойчивое покрытие. Лессировка позже стала использоваться художниками во всем мире. Этот технический прием позволяет создавать более реалистичные картины, и к тому же более износоустойчивые. Ян ван Эйк увеличил в составе масляной краски количество связующего вещества (олифы, масла, скипидара и т.д.), и попробовал наносить рисунок слоями – тонкими и полупрозрачными, накладывая их друг на друга.
• Это достижение подтолкнуло художника к творчеству в новом для той поры жанре реализма. Одна из самых знаменитых и выдающихся его работ «Мадонна в церкви» (1438-- 1440) удивляла современников реалистичностью изображения.
• Ван Эйк первым начал работать со светотенью. Позже художники будут тщательно изучать поведение солнечного света и искать способы передачи его свойств, Ян ван Эйк был в этом направлении первопроходцем.
• Во многих картинах Яна ван Эйка, в том числе в произведении «Мадонна в церкви», заметно внимание мастера к архитектурным элементам. Исследователи считают, что в произведениях такого уровня художники работают еще и как архитекторы. И если провести геометрический анализ картины «Мадонна в церкви» и смоделировать изображенный план здания, он окажется копией плана собора Святого Павла в Льеже, который находился на родине живописца и был разрушен во время Французской революции.

9 место. Сандро Ботичелли

На девятом месте снова представитель флорентийской школы живописи – Сандро Боттичелли (1445–1510). Живописца можно считать знаковой персоной эпохи Раннего итальянского Возрождения, его значение практически так же велико, как значение Леонардо да Винчи для Высокого итальянского Возрождения, и Караваджо – для периода вырождения Ренессанса в барокко.

В его работах заметно стремление к красоте и гуманизму, а выразительницей этих прекрасных качеств Ботичелли считал богиню Венеру и часто изображал ее на полотнах. Новаторство Сандро Ботичелли заключается в том, что он одним из первых стал писать картины на нерелигиозные сюжеты. Он пытался донести мысль, что искусство может служить для удовольствия – и это была настоящая революция в живописи.

Итальянский художник сумел совместить в своем творчестве правила использования перспективы и законов анатомии в рисунке с декоративностью, которая в период расцвета Ренессанса уже не применялась. Для Ботичелли яркость образа была важнее реалистичности, а человечность важнее иконографичности, потому его религиозные картины были уникальными для того времени по способу изображения традиционных мотивов. Так, образ Мадонны с младенцем Ботичелли наполнен нежностью и теплотой – автор использует художественные средства для передачи глубины отношений матери и ребенка, делая картину более эмоционально понятной для зрителя.

10 место. Богатейший художник Италии – Рафаэль Санти

Замыкает наш рейтинг художников Ренессанса Рафаэль Санти (1483–1520). Прославленный живописец творил свои работы в жанре «римского классицизма», был любим и популярен среди своих современников. Признание и успех сделали его одним из самых богатых людей Италии.

Грандиозная работа Санти «Сикстинская Мадонна» (1512–1513) выражает идеи ренессансного гуманизма, сочетая в себе античные представления о красоте и христианское мировоззрение.

Произведение создавалось Рафаэлем по заказу папы римского Юлия для алтаря церкви. Несмотря на большой опыт в живописи, для художника работа с холстом была чем-то необычным, так как он предпочитал рисовать на дереве.

Картина «Сикстинская Мадонна» считается одним из величайших и наиболее почитаемых мировых шедевров, который продолжает вдохновлять деятелей культуры и искусства на творческие подвиги.

Уважаемые читатели, напоминаем, что этот топ-10 художников Ренессанса, как и другие рейтинги нашего сайта, формируете именно Вы, своими заказами и посещениями. Всегда рады видеть Вас в числе своих клиентов!